LA SONRISA DE DARWIN

No soy lectora de novela negra (no sé si es una categoría de lector), pero puedo deciros que La sonrisa de Darwin (Navona, 2018) de Anna Maria Villalonga me ha enganchado. Tampoco soy crítica literaria, solo una profesora de Literatura de Bachillerato que escribe. Este es uno de los libros que lees con ganas de continuar para saber lo que ocurrirá, pero con pena porque no quieres acabarlo. Tenía ganas de leer una de las novelas de Anna Maria Villalonga, después de haber escuchado alguno de sus relatos en ‘En veu alta’.

¿Qué puedo decir de La sonrisa de Darwin? ¡Que es un regalo de libro! Me gusta la prosa; pienso que está bien escrita. Para mí, rodorediana en el sentido que dice “con la máxima simplicidad las cosas esenciales”. Y eso cuesta, y mucho. Lo sabe la autora mejor que yo. Es verdad que se trata de una novela de personajes: los fragmentos de monólogo interior son una delicia, incluidos los del pobre Iván. Y es que Iván probablemente es el mejor caracterizado de todos. Quiero explicarme bien: Max y Noemí son dos personajes con los que empatizas enseguida. Son personajes con una humanidad y una generosidad que conmueve, pero llegar a entender lo que lleva Iván en su interior me parece el desafío más grande como escritora. Hacer explícitos los motivos por los cuales se comporta de la manera en que lo hace, llegar a entender las razones que lo han llevado a tener el mundo emocional que tiene era lo difícil de contar de esta historia. Al final, te das cuenta de que él es otra víctima de esta sociedad y de un padre que le ha arruinado la vida. De Darwin no hace falta decir nada. Todos nos lo llevaríamos a casa. Se palpa el amor de Anna Maria por los animales.  

La estructura de la novela, junto a la caracterización de los personajes me parece un acierto. La división me resulta interesante: personajes, hechos, desenlace… La narración de los hechos, en secuencias cortas, se revela muy cinematográfica y, por eso, estimulante para el lector que va leyendo preguntándose qué pasara… A medida que avanzaba en la lectura, me parecía que el final era muy difícil. Un final feliz hubiera estropeado la novela (es mi opinión); una derrota nihilista hubiera dejado un gusto demasiado amargo en el paladar; un desenlace trepidante de acción hubiera resultado inverosímil. Me parece que Anna María Villalonga ha sabido encontrar el equilibro. ¿Sabéis por qué? Por la misma razón por la cual me ha gustado la novela: porque hay vida detrás de esta ficción. Y el final responde a la vida misma. Nadie sale indemne: ni los personajes de ficción, ni nosotros mismos. Gracias, Ana Maria Villalonga, por haber escrito La sonrisa de Darwin. Próxima parada: La mujer de gris.

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe

CAFARNAÚM

Cafarnaúm és la tercera pel·lícula de la directora libanesa Nadine Labacki. Conta la història de Zain, un nen de dotze anys que decideix demandar els seus pares per haver-lo portat al món. Al començament, Zain, que es troba reclòs a un centre de menors, és conduit davant del jutge, atònit per tan insòlita acusació. Comencen aleshores una sèrie de flash-backs que van reconstruint la infantesa desposseïda i desemparada del protagonista.

Zain és fill d’uns pàries, refugiats siris sense papers. No sap ni la seua data de naixement, ni posseeix cap document que acredite la seua existència com a ésser humà. Zain no viu, sobreviu. És fill d’uns pares que no tenen cura d’ell i no deixen d’escopir fills al món perquè no saben fer una altra cosa. Zain vol anar al col·legi i aprendre perquè ha observat l’anada i tornada d’altres nens a l’escola i vol ser com ells. Zain no ho aconsegueix. Zain té una germana, gairebé de la seua edat, a la qual tracta de protegir de l’abús i de ser venuda a l’arrendatari malvat dels seus pares quan comença a tenir la menstruació i per al qual ell mateix treballa. Tampoc no aconsegueix impedir-ho i s’escapa. En la seua fugida, Zain es troba amb Rahil, una immigrant il·legal etíop que amaga el seu fill de mesos perquè sap que si el descobreixen li’l prendran. Zain ajuda Rahil a tenir cura de Yonas.

El crític Carlos Boyero va comentar que va patir veient la pel·lícula i recordant-la després. I així ocorre: la història no ofereix treva a la lluita de supervivència d’aquest infant l’esguard de profunda tristesa del qual és un crit d’incomprensió cap a la barbàrie del món on l’han portat. Malgrat les crítiques que ha rebut la pel·lícula per intentar netejar la mala consciència occidental, Cafarnaúm és la denúncia de Labacki davant de les situacions d’injustícia atroç que viuen els protagonistes de la cinta. També ha estat acusada de frívola per prendre un punt de vista estètic i utilitzar la música, com si posar l’art al servei d’una causa social fos superficial.

Cafarnaúm mira de donar veu a aquells que no en tenen, es fixa en la baula més feble de la cadena de despropòsits: els nens. Y per aconseguir-ho Labacki utilitza el llenguatge cinematogràfic que domina i el posa al servei de la història per donar-li autenticitat, per colpejar l’espectador una i altra vegada amb la veritat descarnada de massa éssers humans a la Terra.

El rodatge es va compondre d’unes cinc-centes hores que cerquen l’espontaneïtat del gest i la veracitat del relat. S’hi afegeix la dificultat de rodar amb nens i amb actors no professionals, perquè la vida del personatge Zain no és massa diferent de la del nen que l’interpreta, Zain Al Rafeea. També ha estat criticat el final com una concessió comercial de la directora, com si deixar la porta entreoberta a l’esperança fos un gest de màrqueting i no de necessària humanitat. Zain també es mereix una oportunitat: el real i el de la ficció.

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

EL SOMNI DE LA VIDA

Hem estat afortunats qui hem pogut contemplar El sueño de la vida, la continuació que el dramaturg Alberto Conejero ha fet de La comedia sin título, obra que Federico García Lorca va deixar inacabada al final del primer acte. L’assassinat cruel, irracional i execrable del poeta ens va deixar sense una de les veus literàries més brillants del segle XX, tot just quan havia assolit la seua maduresa. On ens hauria pogut transportar el llenguatge lorquià de no haver esdevingut aquesta desraó?

El muntatge que ha ofert el Teatro Español de Madrid ha estat dirigit per Lluís Pasqual. Nacho López i Emma Villarasau han encapçalat el to de veu just i el gest brillant d’un repartiment d’actors que han reivindicat amb la seua feina el del poeta silenciat pel feixisme. Conejero i Pasqual són dos grans coneixedors del món teatral i de l’obra de García Lorca, i ho han demostrat. Ens adverteix Conejero que la Comedia sin título sempre restarà inacabada. Pertany a la trilogia, tristament incompleta del teatre avantguardista lorquià, amb El público i Así que pasen cinco años. I és que Lorca es trobava indagant i cercant noves fórmules teatrals, nous llenguatges i propostes que enriquiren el panorama teatral durant el període de la Segona República Espanyola. No el van deixar fer-ho.

Comença la representació trencant el mur entre l’escenari i el públic, fent ostentació de la riquesa del llenguatge que sols Lorca sap explotar. L’Autor ens sermoneja, també ens ho adverteix, i les paraules van caient als nostres conscients, potser també subconscients, com una cascada de poesia que amara la nostra pell: “Solamente por la piel puede entrarnos otra vez la metafísica del espíritu”. D’aquesta manera pretén “enseñarnos un pequeño rincón de realidad”. És la Comedia sin título el manifest de l’apertura del teatre de bat a bat: perquè no ens sentim “en mitad de la calle”, perquè penetre la vida. Per a Lorca, el teatre “es la escuela del pueblo”, així ho va demostrar amb el seu treball militant a la companyia teatral universitària La Barraca. Quan el primer acte es tanca, el teatre ja està encès en flames. ¡El pueblo ha roto las puertas!”

Comença aleshores el segon acte i El sueño de la vida també. Què hi passarà? Es pregunta poruc l’espectador del segle XXI. Serà una continuació fidel al seu original? O el segell del seu nou autor deixarà una empremta massa marcada? El mateix Conejero ens ha fet saber abans de començar que traspassa “sonámbulo una habitación en llamas”. Ens trobem aleshores amb una “al·lucinació” que transforma la por en sorpresa. Per què? Perquè és Lorca qui ens continua parlant mitjançant els personatges en escena. És la melodia de la metàfora lorquiana la que sona en les orelles de l’espectador que assisteix, “al·lucinat” també, al joc –cal reivindicar-lo davant l´útil– que s’estableix entre els dos textos que dialoguen. Sona a Lorca perquè és Lorca el que ens torna a parlar vuitanta anys després. Conejero tan sols trasplanta “la vida como es”, com va mirar de fer el poeta granadí, perquè no es poden tancar els ulls “ante la tragedia espantosa del hombre oprimido”. Per això, Lorca va obrir les portes del teatre al poble i Conejero ens hi manté, expectants, tornant a dir les paraules “como si fuera la primera vez”, perquè el teatre és veritat, sols si és ple de vida. I jo m’ho crec.

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

Imatge extreta de la xarxa

CAFARNAÚM

Cafarnaúm es la tercera película de la directora libanesa Nadine Labacki. Cuenta la historia de Zain, un niño de doce años que decide demandar a sus padres por haberle traído al mundo. Al inicio, Zain, que se encuentra recluido en un centro de menores, es conducido ante el juez, atónito por tan insólita acusación. Empiezan entonces una serie de flash-backs que van reconstruyendo la infancia desposeída y desamparada del protagonista.

Zain es hijo de unos parias, refugiados sirios sin papeles. Ni siquiera sabe su fecha de nacimiento, ni posee documento alguno que acredite su existencia como ser humano. Zain no vive, sobrevive. Es hijo de unos padres que no cuidan de él y que no dejan de escupir hijos al mundo porque no saben hacer otra cosa. Zain quiere ir al colegio y aprender porque ha observado la ida y venida de otros niños a la escuela y quiere ser como ellos. Zain no lo consigue. Zain tiene una hermana, casi de su misma edad, a la que trata de proteger del abuso y de ser vendida al casero desalmado de sus padres cuando empieza a tener el período y para el que él mismo trabaja. Tampoco consigue impedirlo y se escapa. En su huida, Zain se encuentra con Rahil, una inmigrante ilegal etíope que oculta a su hijo de meses porque sabe que si lo descubren se lo arrebatarán. Zain ayuda a Rahil a cuidar de Yonas.

El crítico Carlos Boyero comentó que sufrió viendo la película y recordándola después. Y así ocurre: la historia no da tregua a la lucha de supervivencia de este niño cuya mirada de profunda tristeza es un grito de incomprensión hacia la barbarie del mundo al que fue traído. A pesar de las críticas que ha recibido la película por intentar limpiar la mala conciencia occidental, Cafarnaúm es la denuncia de Labacki ante las situaciones de injusticia atroz que viven los personajes que protagonizan la cinta. También se la ha acusado de frívola por tomar un punto de vista estético y utilizar la música, como si poner el arte al servicio de una causa social fuera superficial.

Cafarnaúm trata de dar voz a los que no tienen voz, se fija en el eslabón más débil de la cadena de despropósitos: los niños. Y para ello Labacki utiliza el lenguaje cinematográfico que domina y lo pone al servicio de la historia para darle autenticidad, para golpear al espectador una y otra vez con la verdad descarnada de demasiados seres humanos en la Tierra.

El rodaje se compuso de unas quinientas horas que pretenden la espontaneidad del gesto y la veracidad del relato. Se añade la dificultad de rodar con niños y con actores no profesionales, porque la vida del personaje Zain no es demasiado diferente de la del niño que lo interpreta, Zain Al Rafeea. También ha sido criticado el final como una concesión comercial de la directora, como si dejar la puerta entreabierta a la esperanza fuera un gesto de marketing y no de necesaria humanidad. Zain también se merece una oportunidad: el real y el de la ficción.

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe

Artículo publicado en el periódico Ágora Alcorcón

Imagen extraída de la red

EL SUEÑO DE LA VIDA

Hemos sido afortunados los que hemos podido contemplar El sueño de la vida, la continuación que el dramaturgo Alberto Conejero ha hecho de La comedia sin título, obra que Federico García Lorca dejó inacabada al final de su primer acto. El asesinato cruel, irracional y execrable del poeta nos dejó sin una de las voces literarias más brillantes del siglo XX, cuando esta apenas había alcanzado su madurez. ¿Dónde nos habría podido transportar el lenguaje lorquiano de no haber sido por esta sinrazón?

El montaje que ha ofrecido el Teatro Español de Madrid ha sido dirigido por Lluís Pasqual. Nacho López y Emma Villarasau han encabezado el tono de voz justo y el gesto brillante de un elenco de actores que han reivindicado con su trabajo el del poeta silenciado por el fascismo. Conejero y Pasqual son dos grandes conocedores del mundo teatral y de la obra de García Lorca, y lo han demostrado. Nos advierte Conejero que la Comedia sin título siempre estará por escribirse. Pertenece a la trilogía, tristemente incompleta del teatro vanguardista lorquiano, junto a El público y Así que pasen cinco años. Y es que Lorca estaba indagando y buscando nuevas fórmulas teatrales, nuevos lenguajes y propuestas que enriquecieran el panorama teatral durante el período de la Segunda República Española. No le dejaron.

Empieza la representación rompiendo la barrera entre el escenario y el público, haciendo alarde de la riqueza del lenguaje que solo Lorca sabe explotar. El Autor nos sermonea, así nos lo advierte, y las palabras van cayendo en nuestros conscientes, acaso también inconscientes, como una cascada de poesía que empapa nuestra piel: “Solamente por la piel puede entrarnos otra vez la metafísica del espíritu”. De esta manera el poeta pretende “enseñarnos un pequeño rincón de realidad”. Es la Comedia sin título el manifiesto de la apertura de las puertas del teatro de par en par: para que nos sintamos “en mitad de la calle”, para que penetre la vida. Para Lorca, el teatro “es la escuela del pueblo”, así lo demostró con su trabajo militante en la compañía teatral universitaria de La Barraca. Cuando el primer acto se cierra, en el teatro ya ha prendido el fuego. “¡El pueblo ha roto las puertas!”

Empieza entonces el segundo acto y El sueño de la vida con él. ¿Qué pasará entonces? Se pregunta timorato el espectador del siglo XXI. ¿Será una continuación fiel a su original? ¿O el sello del nuevo autor dejará una huella demasiado marcada? El propio Conejero nos ha advertido antes de empezar que atravesó “sonámbulo una habitación en llamas”. Nos encontramos entonces con una “alucinación” que transforma el temor en sorpresa. ¿Por qué? Porque es Lorca el que nos sigue hablando a través de los personajes en escena. Es la melodía de la metáfora lorquiana la que suena en los oídos del espectador que asiste, “alucinado” también,  al juego –hay que reivindicarlo frente a lo útil– que se inicia entre los dos textos que dialogan. Suena a Lorca porque es Lorca el que nos vuelve a hablar ochenta años después. Conejero tan solo trasplanta “la vida como es”, como pretendió hacer el poeta granadino, porque no se puede cerrar los ojos “ante la tragedia espantosa del hombre oprimido”. Por eso, Lorca abrió las puertas del teatro al pueblo y Conejero nos mantiene en él, expectantes, volviendo a decir las palabras “como si fuera la primera vez”, porque el teatro es verdad solo si está lleno de vida. Y yo lo creo.

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe
Artículo publicado en el diario digital 'Ágora Alcorcón' 
Imagen extraída de la red.

¿AUSENCIA? SÍ, PERO DÓCIL

Nuevo poemario de Begoña Chorques Fuster, con una referencia inicial a Calderón de la Barca: “Mas sea verdad o sueño, / obrar bien es lo que importa”. Con otra referencia permanente a Xàtiva, que me ha recordado aquel primer retrato biográfico de Raimon Pelegero, el cantautor, del sabio, y también poeta, Joan Fuster, de 1964. Y sin movernos del País Valenciano, tanto por el título de Begoña como por una serie de mensajes poéticos, más o menos explícitos, me han llevado a releer aquel Cancionero y romancero de ausencias de Miguel Hernández, de 1941, un año antes de su muerte, donde leemos:  

Tierra. La despedida

siempre es una agonía.

Ayer nos despedimos.

Hoy agonizamos.

Tierra en medio.

Hoy morimos.

El poemario de Chorques Fuster –en catalán y, cotejada, en versión castellana– surge de una muerte en la familia; la muerte de la abuela amada que remueve –¡ay, esas cosas del subconsciente!– instantes de toda una vida, en la que fue una niña y ahora es una mujer joven que se añora. Como ya nos decía San Agustín, y lo decía cuando todavía no trajinaba por los senderos estrechos de la pretendida santidad, sin memoria no hay esperanza. Porque sin el ayer, el hoy no tiene sentido. Sin el ayer bien digerido, nunca trataríamos de construir un futuro coherente. Ni como personas ni como colectividad. Además, en este poemario encontramos todos los tonos y todas las modulaciones de esta añoranza. La mayoría, tiernas, dóciles, agradecidas, con gramos de dolor, con mucha nostalgia. ¡Y es tan legítima la nostalgia!

Sin querer interferir en la lectura del poemario –leer poesía es uno de los pocos actos que todavía nos recuerdan que creemos en la palabra y en las personas de palabra, que hacen de ellas un uso limpio– hago un listado, fuera de contexto, de una serie de versos que he ido anotando cuando releía el original que la autora tuvo la gentileza de pasarme:

“Cerraste la puerta con suavidad / yo quedé al otro lado”

El yayo Vicente “llora como un niño pequeño / lo que no ha cuidado vivo”

“La vida no tiene piedad de nadie” con un verso final: “me sé amada por el hecho de ser”

“Ya hace casi cuarenta años / que mi cadáver se pudre / en un gemido sordo de miedo”

“que yo no quiero ser madre, / yo solo quiero ser abuela”

En ‘Fraggle rock’, un desfile de situaciones de niñas y niños suicidas, frágiles, deprimidos, poetas, terroristas, de arcilla y barro, la ágil bambina ‘que habla en inglés / con deje americano” hasta el niño de cabellos de seda natural y trigo, y hasta ‘la niña cíngara / que ya sabe lo que es / una herida de verdad, / un triste adiós para siempre / que nos hace del todo conscientes / de lo que somos y seremos’.

En ‘Entornos’, este verso final:  ‘Tu regazo es el país de donde yo vengo’.

‘Los libros y las palabras me vuelven /  a situar cerca de ti’.

Y casi al final, un doble aprendizaje: el de la liturgia de cómo cocinar una paella, símbolo y referente de toda una ‘tribu’, y

‘he descubierto el olor del aire’.

Cierro esta ‘lata perorata’, diciendo que la lectura de este libro contagiará a la lectora, e incluso al lector, de una sensibilidad más llena de amor y reconocimiento hacia las mujeres mayores de nuestra vida, y de nuestro entorno. Y, a la vez, aprenderemos a amar una lección básica:

‘la muerte nos deja este momento inédito’.

Nos lo recordaba Horacio: Pictoribus atque poetis semper fuit audendi potestas. Lección antigua, cargada de sentido de humildad de quien sabe que la palabra escrita también bebe del movimiento, del color, de la imagen, de la línea y del punto en el espacio, como nos enseñaba Kandinski. En el poemario Ausencia una artista gráfica muy joven –hace poco que ha traspasado el límite de los veinte años, que vive en Nueva York, con padre de los EE.UU. y madre filipina, bailarina y estudiante en la Universidad de Yale, se ha sumado a la fiesta poética de una mujer joven de Xàtiva. Y no se trata, en ningún caso, de propuestas gráficas ajenas a los poemas. Si supiera una pizca de psicoanálisis, diría que Luna Beller-Tadiar ha hecho suyos los poemas y ha esbozado una serie de interpretaciones oníricas. Me sorprenden las manos, nada estáticas, y los contrapuntos de sombra que no ceden nunca a la tentación del negro impenetrable. O el apunte de un cuerpo en cuyo interior la luna es aún tímida y el paisaje explica por qué la poeta ha escrito: ‘me aferro al tabique de la memoria’. Y las referencias al mar (¿o quizás la mar?), con horizontes. Y el tren, tan antiguo como la añoranza, que observan, cálidamente, dos siluetas femeninas jóvenes.

Antes de cerrar del todo la puerta, la referencia a un poeta menorquín, Ponç Pons, que admiro de verdad. Y es que leía, con lápiz en la mano, su poemario Camp de Bard, justo el día que había leído por primera vez este poemario de Begoña Chorques. No puedo evitar reproducir, como si fuera un brindis con cava brut-nature, estos versos de Ponç Pons:

‘L’escriptura que em cus feta vers les ferides / té el ressò d’altres veus i el color d’altres vides’.[1] Así como los versos finales del poema ‘A la poesia’: ‘Més que d’on hem nascut / som del lloc que estimam / i, lectors agraïts / que tenim el que dam, / fem diversos un sol / gran poema on no hi ha / més pàtria que la vida’.[2]

¡A vuestra salud, amiga y amigo heridos por el don de la poesía!

                           Ignasi Riera i Gassiot

                          Madrid, noviembre de 2017

Traducción del prólogo de la edición de octubre de 2018 (Ed. Círculo Rojo)

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[1] ‘La escritura que me cose hecha verso las heridas / tiene el eco de otras voces y el color de otras vidas’.

[2] ‘Más que de donde hemos nacido / somos del lugar que amamos / y, lectores agradecidos / que tenemos lo que damos, / hacemos diversos un solo / gran poema donde no hay / más patria que la vida’.

TAMARA DE LEMPICKA. REINA DE L’ART DÉCO

Les exposicions dedicades a artistes dones s’obrin camí tímidament. A Madrid han coincidit una mostra retrospectiva al Museu Reina Sofia dedicada a Dorothea Tanning i les seues escultures toves i l’exhibició que es pot visitar al Palacio de Gaviria fins el 24 de febrer de 2019. Al cor de la Villa, tocant la Puerta del Sol, es troba el Palacio de Gaviria (carrer Arenal, 9), un edifici de mitjans del segle XIX ideat per l’arquitecte Aníbal Álvarez. Des de fa un temps, aquest emblemàtic immoble, que passa desapercebut en mig del tràfec de vianants, alberga exposicions certament interessants, no aptes per totes les butxaques.

Recórrer les deu sales que plantegen la retrospectiva integral de l’obra de Tamara de Lempicka fou un bon regal de Reis, o de Reïnes, més aviat. La pujada per l’escala principal suposa la primera mostra de la singularitat del palau. Una artista de la talla de Tamara de Lempicka es mereix que la seua obra siga exposada en un edifici que ostenta la seua mateixa elegància. De seguida hom penetra a l’univers Lempicka de la mà de la comissària, especialista i estudiosa de l’obra de l’artista, Gioia Mori. L’exposició s’organitza en deu sales temàtiques que recorren el seu periple vital i artístic. Aviat te n’adones que la modernitat d’aquesta polonesa va més enllà de la seua obra i que impregna la seua biografia sencera. Va trencar motlles i va tenir la habilitat de saber moure’s en un món reservat als homes.

El París del període d’entreguerres fou un lloc fonamental per Tamara on va aprendre i es va desenvolupar com a artista en llibertat. La casa de la rue Méchain 7 és el model de la sofisticació i la cerca de la bellesa d’aquesta artista. La seua relació amb la moda i amb personatges històrics importants de l’època als quals va retratar ens ofereix una idea de les concomitàncies entre l’exploració cap a un estil propi i la frivolitat que li oferia el benestar econòmic, sobretot, a partir del seu segon matrimoni amb el baró Kuffner.

Les amazones era el nom amb el qual s’anomenava a les dones homosexuals a principis del segle XX. Tamara mai no va amagar els seus amors femenins. Era un època en què la lleugeresa portava una incipient desinhibició. Eren els feliços 20 i l’aparent abundància material va deixar pas a una apertura, també aparent, en els costums sexuals. Dic aparent perquè Tamara de Lempicka es va casar dues vegades i, gràcies a la benestant situació econòmica que li va proporcionar el seu segon matrimoni, va poder dedicar-se a l’art. Va haver de complir amb determinants cànons socials per conquerir la seua llibertat artística. En qualsevol cas, els nus femenins, a banda de mostrar la seua evolució pictòrica, presenten el cos femení com una figura desitjada i desitjable per una altra dona. És aquí on resideix la seua modernitat transgressora que la fa esdevenir una precursora. L’amor que va sentir per algunes dones va donar lloc a les seues millor obres: Retrat de Madam Sa Tristesse (1923). La bella Rafaela (1927) o Les noies joves (1930). Totes són un cant als sentits i un estímul per la imaginació de qui observa, gairebé com una voyeur.  

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu