NOMÉS LA FI DEL MÓN

Només la fi del món està considerada l’obra mestra del francès Jean-Luc Lagarce (1957 – 1995), un dels noms fonamentals de la literatura francesa contemporània. És així fins el punt que la seua obra va entrar a formar part del repertori de la Comédie Française al 2008. Tanmateix, durant la seua vida, les vint-i-cinc obres que aquest autor va escriure no van tenir molt de reconeixement. Juste la fin du monde va pujar a les taules per primera vegada al 1999, quatre anys després de la mort del seu autor. Al 2016 Xavier Dolan va dur a terme una controvertida adaptació cinematogràfica. El seu teatre es nodreix dels grans dramaturgs existencialistes com Eugène Ionesco o Samuel Beckett. Actualment Lagarce és un dels autors contemporanis més representats a França i la seua obra s’ha traduït a més de vint-i-cinc idiomes. Sembla que la història de l’artista maleït es repeteix.

 

Jean-Luc Lagarce va escriure Només la fi del món a Berlín al 1990. Va ser poc temps després de rebre la noticia que havia contret la sida. A les dues dècades del segle XX, contreure aquesta malaltia era sinònim de mort, com així va succeir. Lagarce va morir cinc anys després. Aquest fet està present a l’obra des del començament, encara que no es tracta d’una obra d’autoficció. Encara que la mort és recurrent, el tema principal és la família. Es tracta d’una obra de retrobaments i acomiadaments que planteja situacions inquietats i ambigües.

 

Després de dotze anys d’absència, Louis (Eneko Sagardoy) torna a casa de la seua família per visitar-los amb la intenció de comunicar que està molt malalt i que morirà en el termini d’un any. Louis va abandonar la casa paterna a la recerca d’una nova vida, sentint una gran desafecció emocional que no li han perdonat. Torna com un fill pròdig sense saber ben bé per què. S’hi retrobarà amb la seua mare (María Pujalte), la seua germana petita Suzanne (Yune Nogueiras), el seu germà Antoine (Raúl Prieto) i la seua dona, Catherine (Irene Arcos), a qui no coneix. Louis és incapaç de verbalitzar el motiu de la seua visita, perquè la seua arribada desencadenarà el ressorgiment d’antigues tensions familiars i discussions. Al muntatge dirigit per Israel Elejalde que es pot veure a les Naves del Español de Madrid, contemplem la figura de l’alter ego de Louis amb el ballarí Gilbert Jackson, que introdueix el llenguatge de la dansa a la seua proposta escènica mitjançant coreografies d’street dance, amb altres element audiovisuals, com el disseny d’escenes de vídeo, que pretenen interrogar l’espectador.

 

No obstant, Només la fi del món destaca per l’ús del llenguatge i la manera de parlar dels personatges. Lagarce posa de relleu la impossibilitat d’expressar l’ànima humana a través de les paraules, la incomunicació en l’àmbit familiar. Ens trobem amb uns personatges conscients del seu desconeixement mutu. Encara que existisca entre ells un vincle sanguini, no es coneixen i no es reconeixen. Tanmateix, fan tot el possible per expressar el que pensen, el que senten, el que succeís al seu interior. Moltes vegades ho fan amb oracions inacabades i amb una expressió balbotejant. Aqueixa és la seua paradoxa i la seua contradicció. Però no poden deixar d’intentar-ho, encara que hagen d’acabar reconeixent la seua derrota. Potser aleshores cobra sentit la dansa com expressió del que ocorre al món intern de Louis. O com el mateix Louis diu: “I tot això, per a què?”  

 

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

 

 

MORÍOS

“Durante la pandemia (2020 y 2021) fallecieron en las residencias españolas 101.498 personas en un contexto de aislamiento y sin poder despedirse de sus familias o con un acceso muy restringido”. Es lo que se encuentra una cuando visita el baño de señoras del Teatro de la Abadía antes de asistir a la representación de Moríos de Anna Maria Ricart Codina, dirigida por Joan Arquè. Fue este dato sangrante el principal desencadenante de que esta dramaturga pusiera la mirada y el pensamiento en la vejez y el trato que nos damos los unos a los otros cuando llegamos a ella. Si es que ya… ni mear puede una tranquila.

 

“Cada año en España ganamos tres meses de esperanza de vida. Esto significa que la pensión calculada debe alargarse por más tiempo”. Porque todos queremos llegar a viejos. Bueno, la mayoría… Hay algún joven gilipollas que dice que no quiere hacerse muy mayor (los he visto cambiar de opinión en cuanto pasan de los treinta). Anda, vamos al lío que pareces tu abuela… Cultura i Conflicte, después de presentar Hay alguien en el bosque, reflexiona sobre la deshumanización de nuestra sociedad y la revolución de los cuidados que tenemos pendiente. Para ello, nos presenta un espectáculo donde se combina la sensible coreografía de Sol Picó y la escenografía de Judit Colomer con otros medios audiovisuales. Todo ello para que no se te olvide que los viejos tienen cuerpo, que son también cuerpo y pueden bailar y saltar y cantar con esos cachos de carne decadentes. Y si hace falta viene la mismísima Virgen María, montada en un hoverboard (me siento moderna y divina de la muerte utilizando este palabro), a decirnos que nuestra sociedad está al borde del colapso. ¿Por qué? Por cazurros.

 

“Más de 2 millones de personas mayores de 65 años viven solas en España, un 72.3% de ellas son mujeres. Cerca de 1 millón tienen más de 80 años”. Y si no, te compras una foca mecánica como Imma (Imma Colomer) o aprietas o pulsas el botón de la teleasistencia… Montse (Montse Colomé) ya no puede bailar pero parece no importarle (eso es lo que tú te crees), mientras Oriol (Oriol Genís) repite “yo no tendría que estar aquí” al llegar a la residencia porque no puede consagrar su tiempo a la labor de todo jubilado español por antonomasia: contemplar obras. Arthur (Arthur Rosenfeld) se lamenta porque lo que fueron parece que no es lo que queda, mientras nos anima a ir al teatro y a vivir la vida con alegría, consciente de que el tiempo también nos atrapará. Todos fueron adultos en plenas facultades, con hijos o sin ellos, con trabajos, ocupaciones, con cuerpos productivos y reproductivos… mientras ahora ven cómo se vuelven invisibles para el resto y las fuerzas ya no les acompañan.

 

“En 2050 el 31.4% de la población española tendrá más de 65 años y el 11.6% superará los 80 años”. Y pienso que por ahí andaré yo, si es que todavía puedo hollar por estos lares. Una se imagina dueña de su tiempo, leyendo, visitando exposiciones, paseando plácidamente, viajando en temporada baja, asistiendo a obras de teatro y yendo al cine… El cuento de la lechera jubilada… ¡Ay, perdón! Acabo ya… tengo que ir al baño (a ver si me pongo las pilas ya con esos ejercicios para fortalecer el suelo pélvico).

 

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe

 

 

EL LECTOR PER HORES

El lector por horas (1999), una de les obres més importants del seu autor, José Sanchis Sinisterra (València, 1940) torna a pujar a les taules al Teatro de la Abadía de Madrid de la mà del també valencià Carles Alfaro. És un muntatge amb una escenografia senzilla, a penes dues butaques amb un sofà i una taula al mig, amb un piano, però amb un tractament especial de les llums que actuen com un actor més. Un detall pot passar desapercebut: la vora de l’escenari, que mira al pati de butaques, es troba delimitada per una frontera feta d’espills trencats. Potser evoquen el Mirall trencat rodoredià i els fragments d’uns personatges profunds i en conflicte els bocins dels quals s’han de reconstruir o, almenys, intentar-ho. 

 

Ismael (Pere Ponce) és contractat per Celso (Pep Cruz), un acabalat home de negocis i àvid lector, per llegir novel·les en veu alta a la seua filla Lorena (Mar Ulldemolins) que es va quedar cega set anys enrere. No obstant això, li adverteix que desitja que llija sense intenció, que faça una lectura transparent. Tanmateix, amb el transcurs de les escenes, l’espectador comprovarà que “la lectura neutra no existeix”, com afirma el propi autor. Així és com Sanchis Sinisterra s’endinsa en l’estètica de la recepció, formulada per Jauss i Iser als anys 60 del segle passat, i la fa seua a la seua dramatúrgia. A la vegada, aquesta teoria enllaça amb la del “lector modelo” del semiòleg Umberto Eco.

 

És impossible llegir “sin intención” com pretén Celso. Quan llegim passem a formar part de l’obra, perquè cada lector fa una lectura distinta de l’obra. “Los libros son una forma de experiencia. Leyendo se vive, ¿no? Y ya sabemos que la vida no es un baño de espuma”.  De la mateixa manera, llegir la mateixa obra en moments diferents de la vida canvia la lectura. Per això, el paper del lector és crucial. Una obra no existeix fins que és llegida per algú. I així la lectura va entrellaçada a l’escriptura que no pot existir sense la primera. Tot escriptor és, en primer lloc, lector. A més, la lectura ens permet trencar la barrera del temps i ens permet escoltar els morts. Llegir és posar-se en el lloc de l’altre, és empatitzar. Potser per això, Lorena cerca sentit en les modulacions de la veu d’Ismael, en l’entonació de la seua veu. Pretén descobrir qui és el lector a partir dels textos escollits (molts relacionats amb la mort) i de la forma en què són llegits. Lorena pretén reconstruir el mirall trencat d’Ismael. “Lo malo de la muerte es que no es el final de nada. Por eso da miedo”.

 

Aquesta actitud d’indagació interpel·la els altres dos personatges. Perquè aquesta obra, profundament pinteriana, està plena d’enigmes. Cada personatge arrossega les seues pròpies ombres, fracassos que obrin escletxes per les quals ens podem colar. El text fuig del que és obvi i explícit, pecats habituals del teatre contemporani per al nostre dramaturg. No vol ser complaent amb nosaltres. Per això, l’obra requereix un espectador/lector actiu, amb una actitud desperta i atenta que, com Lorena, intenta ajuntar els trossos de l’espill. La relació que s’estableix entre ells és una altra de les incògnites en què escodrinya Sanchis Sinisterra i on el poder i la humiliació juguen el seu paper. “En cuanto ponemos demasiado pensamiento, la transparencia se pierde. Y llega lo traslúcido”. Perquè la realitat i els nostre món son translúcids.

 

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

 

 

EL MAR: VISIÓN DE UNOS NIÑOS QUE NO LO HAN VISTO NUNCA

Asistir a la representación de El mar: visión de unos niños que no lo han visto nunca es un regalo. Tanto que es inevitable acudir al texto para revivir las sensaciones, las emociones y los pensamientos que esta obra de Alberto Conejero despiertan. Este sencillo montaje lleva girando más de un año, desde su estreno en febrero de 2022 en el Teatre Nacional de Catalunya. El Teatro de la Abadía de Madrid ha acogido esta pequeña joya en dos ocasiones, en febrero y en diciembre de 2023. La temporada pasada muchos espectadores no pudimos disfrutar y compartir este tesoro que se multiplica y se expande. Como si de un libro sagrado se tratara, las palabras en este montaje se elevan como versículos y se consagran como una renovada fe en la vida, la educación y la cultura. 

 

Antoni Benaiges (Sergi Torrecilla) es un joven maestro catalán que nos cuenta con entusiasmo su vocación docente desde su nacimiento en 1903 y su infancia. Su vida va a la par con los acontecimientos que ocurren en España en aquellas décadas: dictadura de Primo de Rivera, proclamación de la Segunda República. En 1934 elige como destino la escuela rural de Bañuelos de Bureba, un pequeño pueblo de Burgos. Lo hace porque considera que en estos lugares recónditos donde apenas llega y penetra la cultura es más necesaria la labor docente. Pocos meses después paga de su bolsillo un gramófono, primero, y una imprenta, después. Con ella pretende que sus alumnos, niños y niñas condenados al trabajo en el campo desde su nacimiento, escriban sus emociones y pensamientos. Los llama por su nombre, Honorato, Engracia…, antes de corregir sus faltas de ortografía y convertirnos a los espectadores en aquellos niños que miramos a los ojos a través de una foto de grupo, en blanco y negro, con el maestro Benaiges. Todo ello lo realiza con una sencillez y una entrega dignas de tal admiración que renueva y relanza la vocación docente de los espectadores-profesores presentes entre el público. El primer periódico que crea con los niños de la escuela recibe el nombre de Gestos, como si el suyo de confiar en la inteligencia de sus alumnos no fuera el gesto supremo. Para el curso siguiente, decide adquirir una nueva imprenta para los más pequeños y así elaborar la gacetilla Recreo porque significa ‘crear de nuevo’. Así, gesto a gesto, frase a frase, Alberto Conejero y Xavier Bobés van recreando y acercándonos a la piel hasta rozarnos y erizarnos los poros la historia de Benaiges.

 

Para ello, Xavier Bobés, presente en el escenario durante toda la representación, nos enseña su poética de los objetos. Consigue, a través de una cámara de vídeo metida en una rudimentaria caja de madera, amplificar proyectando sobre el fondo y descifrar el valor de unos viejos y sencillos objetos que cobran todo el sentido y nos hablan como si de unos personajes más se trataran: manuscritos, fotografías, tipos, tizas, papeles… Nos evidencian la perpetua oscilación de utensilios cotidianos entre belleza, utilidad y memoria, hasta el punto mágico en que cobran vida en la imaginación de los niños que fueron alumnos de Benaiges y los niños que asistimos a la representación.  

 

En enero de 1936, meses antes del inicio de la guerra civil, imprimen El mar: visión de unos niños que no lo han visto nunca, un librito que “contiene, en formato de verso, más que prosa, las expresiones de los escolares de cómo se imaginan el mar, sus miedos y sus sueños”, porque ninguno de ellos lo ha visto. Nos parece mentira, pero no hace tanto los nacidos en la Meseta tardaban décadas, si lo lograban, en contemplar el inmenso azul. Pero el maestro les promete llevarlos ese verano a Cataluña a contemplar el mar. Antoni Benaiges no pudo cumplir nunca su promesa porque fue fusilado el 25 de julio de 1936, apenas siete días después del golpe de Estado. Fue uno más de los peligrosos docentes represaliados y perseguidos por la barbarie y la sinrazón fascista y totalitaria. Su delito fue creer que es posible cambiar las mentes y las vidas con la tiza y el conocimiento. ¿Es utopía seguir creyéndolo?

 

Lo que nos hace humanos

es que no sabemos vivir.

 

Hemos de aprenderlo todo,

desde que nacemos hasta que morimos.

 

La muerte no culmina

el proceso de aprender:

lo interrumpe.

 

De Marina Garcés,

Escuela de aprendices

(Galaxia Gutemberg, 2020).

 

Post scriptum: En julio de 2023, El mar fue censurada y retirada de la programación en la localidad burgalesa de Briviesca, situada a menos de diez kilómetros de Bañuelos de Burueba, por decisión del ayuntamiento gobernado por PP y Vox. Un grupo de vecinos se reunió para realizar una lectura de la pieza en voz alta.

 

Begoña Chorques Fuster

Profesora renovada que escribe

 

 

ENS MEREIXEM L'EXTINCIÓ PER CARALLOTS?

La història d’aquest article comença fa dos anys. Fins ara, els alumnes de 2on de Batxillerat de la Comunitat de Madrid, a l’examen de Llengua castellana i Literatura, tenen un exercici en què han de redactar un text argumentatiu a favor o en contra d’una tesi. S’hi avalua la maduresa discursiva i reflexiva de l’alumne i la seua capacitat per argumentar i redactar. Des de fa anys, considerant, a més, que és una bona manera de desenvolupar l’esperit crític en els nostros joves, aquesta professora que escriu comença a treballar la tècnica de la redacció d’un text argumentatiu a l’últim curs de l’ESO. Es tracta també de proposar temes que puguen resultar atractius i motivadors entre els adolescents del segle XXI. D’aquesta manera, davant les mobilitzacions de la joventut contra el canvi climàtic que es van succeir per diferents països, l’actitud de molts ciutadans davant les restriccions imposades per la pandèmia i les creixents tensions internacionals entre països, vaig proposar als meus alumnes de 4rt ESO d’aquell curs que argumentaren a favor o en contra de la pregunta que dona títol a aquest article. 

 

No sé si fa falta que diga que no es puntua l’opinió, sinó la solidesa dels seus arguments i com exposen les seues idees per escrit amb una sintaxi coherent, un lèxic ric, amb bona ortografia i puntuant bé el text. Quina va ser la meua sorpresa quan em vaig trobar que la majoria d’ells argumentaven a favor. Lamentaven el nostre comportament com a espècie, l’escassa empatia que demostrem amb els nostres semblants a l’hora d’acceptar limitacions cercant el bé comú i la contenció d’un virus que ha matat a milions de persones al món, l’actitud egoista de l’ésser humà, incapaç de canviar la seua manera de viure per cuidar el planeta. Així es que sí, tristament, molts van concloure que ens mereixem l’extinció per carallots.

 

Hi havia un percentatge de l’alumnat que defensava la tesi contrària. Eren capaços d’aportar contraarguments reconeixent que hi ha una part de la ciutadania que mostra un comportament incívic i egoista. No obstant, la seua principal raó era que no podíem “pagar tots” per la manera de procedir d’uns quants. Defensaven la coresponsabilitat, però també la idea que ells mateixos tractaven de tenir una actuació sensata. L’individualisme que el capitalisme ens ha gravat a foc en la nostra concepció del món els feia obviar que vivim junts, que som un col·lectiu, la humanitat sencera, que haurem de respondre del nostre mode d’actuar en conjunt. Com era d’esperar, no ho veien “just” (paraula freqüent en la boca dels nostres púbers). És que la vida és justa? És que no contribuïm tots, en certa mesura, en la destrucció del medi ambient amb la nostra manera de viure, d’estar al planeta?

 

Després de debatre el tema oralment a classe també, aquella canalla adorable em va proposar que jo també presentés el meu propi text argumentatiu. Doncs bé, concloc que ens mereixem l’extinció per carallots aportant com a principal argument que hem criat i educat a la futura generació provocant que pensen i senten que ens mereixem l’extinció per carallots. Hi ha una manera més llastimosa d’arravatar als joves la il·lusió pel futur? Ara rebateu-me si voleu. 

 

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

 

 

LA ISLA DEL AIRE

Se produce el fundido a negro final y acaba la representación en el Teatro Español con cuatrocientos cuarenta años de historia a sus espaldas. Los aplausos rompen los escasos segundos de silencio que suceden al fin de la obra que nos han representado. Todavía flotan en el aire y se elevan las últimas palabras pronunciadas. Se encuentran sobre el escenario las cinco actrices que nos han acercado el relato de Alejandro Palomas, La isla del aire, que forma parte de El tiempo que nos une. Candela Serrat, Vicky Peña, Nuria Espert, Teresa Vallicrosa y Claudia Benito nos miran en silencio, cogidas de la mano, con alegría y emoción. Pienso que este es uno de los momentos mágicos del teatro. Ocurre cuando, una vez finalizada la representación, los espectadores reconocemos y agradecemos el trabajo ofrecido, en primer lugar, por los actores (actrices en este caso), y también del equipo entero que está detrás de las tablas (hecho que ellas nos recuerdan levantando el brazo en homenaje a sus compañeros ocultos). Damos las gracias por transportarnos a un mundo imaginario que nos devuelve al nuestro transformados. Aplaudimos, primero, con cierta timidez, observando las miradas brillantes y los gestos de agradecimiento de cada una de estas mujeres. Transcurridos unos segundos, liberadas las manos, las cuatro actrices retroceden unos pasos sin dejar de mirarnos, para que Nuria Espert, en el medio, reciba la ovación, llena de afecto, por una vida dedicada al teatro. Y sí, entonces, el teatro se pone en pie para aclamar y rendir tributo a esta anciana casi nonagenaria que lo ha hecho todo y lo ha dado todo por el teatro. Todos, conscientes de que este será el último montaje en el que participará, nos embriagamos con la plenitud que nos ofrece el momento, único e irrepetible para los espectadores. Nuria Espert, la gran dama del teatre, lo vivirá cada tarde hasta el 14 de enero. No es más (y no es poco) que una merecida despedida a esta actriz que nos ha dado tanto. 

 

La isla del aire está en Menorca donde la presencia del mar y el viento llenan el espacio y la escenografía austera y estática de grandes piedras sobre las que se proyectan imágenes de las actrices y de ese mar que actúa como testigo de la tragedia familiar. La mirada poética de Palomas se palpa en las palabras que pronuncian estas cinco mujeres que, en realidad, son seis porque la ausente Helena y su voz también están presentes. Nuria Espert es Mencía, la matriarca de una familia, que conoce los secretos de las mujeres de su familia que arrastran un pasado que les impide vivir de una manera tranquila y plena. A través de las palabras, esta anciana nonagenaria, intentará sanar las heridas abiertas de sus hijas y sus nietas. Pero sabe que tiene que arrancárselas, muchas veces con un tono deslenguado y directo. Mencía, que en ocasiones se muestra senil, tiene momentos de una intensa lucidez que causa estragos en sus hijas y nietas por su desgarro. Lo intentará a través del viaje a un faro junto al mar donde desapareció en una noche de tormenta su nieta mayor Helena, cuya muerte no acepta su madre, Lía (una contenida Vicky Peña). De forma paulatina, van apareciendo las cargas individuales y familiares de cada una de ellas: de sus nietas Bea (Clàudia Benito), convaleciente de un herpes y con un futuro personal incierto, y de Inés (Candela Serrat), que decide vivir el amor a pesar de sus responsabilidades familiares; pero también de su hija Flavia (Teresa Vallicrosa), frustrada por las oportunidades vitales perdidas y por su anodina vida de cuidadora. Cinco mujeres que buscan reconciliarse con la vida y consigo mismas a través, de nuevo, del arma más poderosa que tenemos, del lenguaje.

 

Begoña Chorques Fuster 

Profesora que escribe

 

 

HEDDA GABLER

Hedda Gabler ha vuelto a Madrid; esta vez procedente del Teatre Lliure de Barcelona y de la mano de Àlex Rigola. Estará con nosotros hasta final de año en el Teatro Valle-Inclán, porque Hedda Gabler siempre vuelve. Este personaje femenino, complejo e hipnótico, que combina una inteligencia sobresaliente con una maldad exquisita, nos atrapa y nos inquieta porque no llegamos a entender nunca los motivos de su comportamiento. 

 

Hedda Gabler es un clásico moderno desde que fuera escrito en 1890 por el dramaturgo noruego Henrik Ibsen y estrenado en Múnich (Alemania) un año después. Es cierto que no tuvo buenas críticas en su primera representación ya que no se entendía la actitud de esta mujer, distinguida e insatisfecha, que no cumplía con las premisas morales y sociales de su tiempo. Desde entonces, Hedda Gabler no ha dejado de subir a las tablas y ha sido interpretado por grandes actrices dentro y fuera de la península Ibérica. Con el paso de los años, el personaje de Hedda Gabler, hija del general Gabler, distante y manipulador, no ha dejado de plantear incógnitas y despertar fascinación.

 

El propio Ibsen escribió que buscaba “representar seres humanos, emociones y destinos humanos sobre la base de las condiciones y los principios sociales del presente”. Por eso, Rigola sitúa el texto en el hoy, en un tiempo congelado, encapsulado en un espacio reducido, incluso claustrofóbico, que discurre con “tedio”, ese mismo aburrimiento que revuelve a Hedda y del que cree que solo puede escapar a través de la belleza; y lo desnuda para que personajes y autor del siglo XIX y actores y espectadores del siglo XXI compartamos nuestra incertidumbre.

 

Àlex Rigola dirige esta versión libre del texto de Ibsen que, paradójicamente, pretende llegar a su esencia. No es la primera vez que lo hace con un ‘Ibsen’ ya que en 2018 se atrevió con Un enemigo del pueblo en el Teatro Kamikaze. Si despojamos el montaje de todo el aparato escenográfico, nos quedamos ‘encerrados’ en una caja de madera de nueve por siete metros con una capacidad para apenas ochenta espectadores. Los cinco actores, vestidos con su ropa de calle y sin apenas maquillaje, nos dan la bienvenida a una propuesta escénica insólita que Rigola ya experimentó con su versión de Tío Vania de Chéjov. Sin embargo, los intérpretes son capaces de crear un vínculo con los espectadores que nos mantendrá expectantes durante los siguientes setenta y cinco minutos. Se trata de un teatro desprovisto de todo adorno que deja el texto, llevado a la médula, en manos y boca de unos actores que se llaman por su nombre: Nausicaa Bonnín es Hedda (como nos advierten al principio), Joan Solé es Jorgen Tesman, su marido, Xavi Sáez es Ejlert Lovborg, Marc Rodríguez es el juez Brack y Miranda Gas es la Señora Elvsted.

 

Rigola nos invita a buscar “la verdad escénica” de este texto, con diálogos de frase corta, desde el primer plano, a partir de la voz (a veces casi como un susurro), las miradas y, sobre todo, los numerosos silencios de estos cinco actores que a veces ya no lo son, que se miran entre ellos pero que también observan al espectador, que no siempre lo es, actores/personajes que callan porque son conscientes de no poseer las respuestas a las preguntas que este texto nos lanza sobre nuestra condición y la libertad humana. Así, en un caja reducida de madera, con una extraña complicidad tejida con hilos de araña entre los actores y nosotros, espectadores, las palabras de Ibsen caen en la sima de nuestro interior hasta que un sonido sordo y hueco nos avisa de que han llegado al fondo de nuestra absurda e incomprensible humanidad, porque estamos tan perdidos y desubicados siglo y medio después como los personajes ibsenianos.  

 

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe