NO NOMÉS FAN MAL ELS COPS

No solo duelen los golpes presenta l’experiència personal de l’actriu, comunicadora i activista feminista Pamela Palenciano en la seua primera relació de festeig. Fou una relació que es va tornar violenta amb el pas dels  anys que va durar. Aquesta és la presentació d’aquest monòleg teatral que de forma cíclica es representa en l’imprescindible Teatro del Barrio de Madrid.

 

A l’inici de la representació, Palenciano ens adverteix que sacsejarà els prejudicis sobre els quals s’assenta el nostre pensament,, que ens incomodarà i ens qüestionarà. També ens informa que ha rebut dues denuncies, ja arxivades, per part de l’ultradreta, pel contingut del monòleg. A continuació, Palenciano ens va desvetllant la història universal de les violències masclistes i la construcció dels estereotips que generen la desigualtat estructural que permet exercir la violència sobre una altra persona, en tots els seus nivells, no sols entre homes i dones.

 

La pròpia creadora afirma que l’obra “es una apuesta para ir de lo personal a lo político”. Al monòleg ens descobreix que en el seu procés personal de teràpia va suposar un punt de presa de consciència quan la psicòloga li va dir que no només fan mal els cops. Aquest projecte va començar com una exposició fotogràfica al 2003. Més endavant va evolucionar a un taller de prevenció del a violència per instituts. Actualment presenta com a obra teatral un monòleg sobre violència masclista, una violència que molt sovint ens costa reconèixer.

 

Palenciano parteix d’ella mateixa i dels personatges que interpreta. Amb humor àcid, ironia, sarcasme i la ruptura de la quarta paret, Pamela ens involucra en el seu relat aconseguint que ens fem preguntes i generem pensament crític. Amb l’ajuda de la mimesi i d’un llenguatge directe i inclús groller, ens interpel·la com a públic fent paleses les petjades, moltes vegades invisibles, dels patriarcat que ens sotmet a tots, homes i dones, amb les formes edulcorades i irreals de l’amor romàntic.

 

No solo duelen los golpes té una durada d’una hora i mitja. És representada pel públic general i adult, però tot adolescent hauria de veure-la. L’escenografia és senzilla; consta d’un banc de ferro, situat entre el centre i els prosceni de l’escenari. A una banda, suspesa en l’aire, hi ha una perxa amb una jaqueta que queda penjada durant tota l’obra. Amb els canvis de llum i de veu de Pamela, van prenent cos totes les desigualtats de les quals som testimoni diàriament i que contemplem des de la nostra situació de privilegi. L’espectable no compta amb música durant la representació, encara que Palencia ens regala el seu cant en un parell d’ocasions, heretat de la seua àvia materna, l’únic mèrit vital de la qual fou criar set fills; i l’americanisme ‘acuerpar’ que significa ‘enfortir, recolzar, sustentar’.

 

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

 

 

 

NO SOLO DUELEN LOS GOLPES

No solo duelen los golpes presenta la experiencia personal de la actriz, comunicadora y activista feminista Pamela Palenciano en su primera relación de noviazgo. Fue una relación que se tornó violenta con el paso de los años que duró. Esta es la presentación de este monólogo teatral que de forma cíclica se representa en el imprescindible Teatro del Barrio de Madrid.

 

Al inicio de la representación, Palenciano nos advierte de que va a sacudir los prejuicios sobre los que se asienta nuestro pensamiento, que nos va a incomodar y a cuestionar. También nos informa de que ha recibido dos denuncias, ya archivadas, por parte de la ultraderecha, por el contenido de ese monólogo. A continuación, Palenciano nos va desvelando la historia universal de las violencias machistas y la construcción de los estereotipos que generan la desigualdad estructural que permite ejercer la violencia sobre otra persona, en todos sus niveles, no solo entre hombres y mujeres. 

 

La propia creadora afirma que la obra “es una apuesta para ir de lo personal a lo político”. En el monólogo nos descubre que en su proceso personal de terapia supuso un punto de toma de consciencia cuando la psicóloga le dijo que no solo duelen los golpes. Este proyecto comenzó como una exposición fotográfica en 2003. Más tarde evolucionó en un taller de prevención de la violencia para institutos. Actualmente presenta como obra teatral un monólogo sobre violencia machista, una violencia que muchas veces nos cuesta reconocer.

 

Palenciano parte de sí misma y de los personajes que interpreta. Con humor ácido, ironía, sarcasmo y la ruptura de la cuarta pared, Pamela nos involucra en su relato consiguiendo que nos hagamos preguntas y generando pensamiento crítico. Con la ayuda de la mímesis y de un lenguaje directo e incluso soez, nos interpela como público haciendo patentes las huellas, muchas veces invisibles, del patriarcado que nos somete a todos, hombres y mujeres, con las formas edulcoradas e irreales del amor romántico.

 

No solo duelen los golpes tiene una duración de una hora y media. Es representada para público general y adulto, pero todo adolescente debería verla. La escenografía es sencilla; consta de un banco de hierro, colocado entre el centro y el proscenio del escenario. A un lado, suspendida en el aire, aparece una percha con una chaqueta que queda colgada durante toda la obra. Con los cambios de luz y de voz de Pamela, van tomando cuerpo todas las desigualdades de las que somos testigos a diario y que contemplamos desde nuestra situación de privilegio. El espectáculo no cuenta con música durante la representación, aunque Palenciano nos regala su canto en un par de ocasiones, heredado de su abuela materna, cuyo único mérito vital fue criar a siete hijos; y el americanismo ‘acuerpar’ que significa ‘fortalecer, robustecer, respaldar, sustentar’.

 

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe

 

 

 

EL CAP DEL DRAC

La cabeza del dragón, un obra marginal de Valle-Inclán, fou la primera obra que vaig llegir del geni gallec. Fa ja més de tres dècades –rondaven els vuitanta– i tot just feia uns mesos que havia arribat al BUP. L’encarregada de posar llum a aquella farsa infantil en les nostres ments adolescents fou una de les professores que em van ensenyar a estimar la literatura només escoltant-la. Fou la mateixa treballadora de les lletres que, anys després, em va acompanyar en la meua primera lectura de Luces de bohemia. Un grapat de lustres després em retrobe amb aquesta obra al Teatro María Guerrero de Madrid, de la mà de la directora Lucía Miranda (Valladolid, 1982) que ha dut a terme una posada en escena valenta i canalla. Així m’ha tornat aquella brillantor adolescent en la mirada en descobrir quelcom genuí i nou.

 

La quarta paret cau i el teatre esdevé un taulat de titelles gegants per educació de prínceps. El que encara no sabem quan hi entrem, ens trobem amb don Ramon assegut en la platea i ocupem els nostres seients és que els prínceps som nosaltres. Perquè Miranda invoca la nostra mirada infantil. Valle va escriure aquesta obra per participar en el projecte de “Teatro para niños” de Jacinto Benavente. Ho va fer perquè estava convençut que allà era on es trobava la renovació del teatre espanyol. No obstant això, l’obra no fou ben acollida per la crítica perquè la van considerar inadequada pels més joves. I és que raó no els mancava. Com molt bé ens adverteix la seua directora, en la farsa “reside un impulso punky de destrucción de los mundos tradicionales, de acabar con la norma establecida”. Aquesta afirmació pot resultar incomprensible amb la història d’un jove Príncep Verdemar que es rebel·la davant el designi heretat, alliberant a un follet tancat pel seu pare, i que comença un viatge per trobar-se a sí mateix. La seua missió consistirà a lliurar la princesa de ser devorada pel drac. A simple vista no és més que un conte de fades per nens. Però, què ocorre si tenim en compte les paraules de Valle a La lámpara maravillosa?

 

“Cuando mires tu imagen en el espejo mágico, evoca tu sombra de niño, quien sabe del pasado, sabe del porvenir”. El que ocorre aleshores és que un dels nostres desitjos es fa realitat de la mà de la gènia Miranda. Ens mirem a l’espill valle-inclanesc i la caricatura creix de forma espontània. I és en aquell instant quan esclata la proposta carnavalesca i festiva que ens porta a preguntar-nos què és la tradició, com hem de portar i assentar els nostres clàssics al món actual. ¿És possible no morir en l’intent d’acabar amb el drac i aconseguir el preuat trofeu del seu cap? Després de noranta minuts de festa de colors i representació hedonista, ixes del teatre amb la certesa que sí. Amb un elenc d’actors que no arriba a la trentena i amb la veu profunda en off de José Sacristán, Miranda aconsegueix una meravellosa sàtira del nostre món, de la política actual, de la nostra diversitat afectivo-sexual de la mà d’un dels clàssics noventayochistas. Ho fa de manera desenfadada, amb humor i amb molta música. Que no manque el cant i el ball. I si cal, invoquem a la més gran. Valle estaria content, perquè “los bufones somos buenos para la gente holgazana”. Ja sabem quina és la funció del bufó a les obres shakespearianes: revelar-nos la veritat de la nostra vida i de la nostra levitat. Què poder fer mentrestant? Riure i passar-ho bé. Au!

 

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu

 

 

LA CABEZA DEL DRAGÓN

La cabeza del dragón, un obra marginal de Valle-Inclán, fue la primera obra que leí del genio gallego. Hace ya más de tres décadas –rondaban los ochenta– y apenas hacía unos meses que había llegado al BUP. La encargada de iluminar aquella farsa infantil en nuestras mentes adolescentes fue una de las profesoras que me enseñó a amar la literatura con solo escucharla. Fue la misma trabajadora de las letras que, años después, me acompañó en mi primera lectura de Luces de bohemia. Un puñado de lustros después me reencuentro con esta obra en el Teatro María Guerrero de Madrid, de la mano de la directora Lucía Miranda (Valladolid, 1982) que ha llevado a cabo una puesta en escena valiente y canalla. Así me ha devuelto aquel brillo adolescente en la mirada al descubrir algo genuino y nuevo.

 

La cuarta pared cae y el teatro se convierte en un tablado de marionetas gigantes para educación de príncipes. Lo que aún no sabemos cuando entramos, nos encontramos con don Ramón sentado en la platea y ocupamos nuestras asientos es que los príncipes somos nosotros. Porque Miranda invoca nuestra mirada infantil. Valle escribió esta obra para participar en el proyecto de “Teatro para niños” de Jacinto Benavente. Lo hizo porque estaba convencido de que ahí se encontraba la renovación del teatro español. Sin embargo, la obra no fue bien acogida por la crítica porque la consideraron inadecuada para los más jóvenes. Y es que razón no les faltaba. Como muy bien nos advierte su directora, en la farsa “reside un impulso punky de destrucción de los mundos tradicionales, de acabar con la norma establecida”. Esta afirmación puede resultar incomprensible si se tiene en cuenta que nos encontramos con la historia de un joven Príncipe Verdemar que se rebela ante el designio heredado, liberando a una duende encerrado por su padre, y que comienza un viaje para encontrarse a sí mismo. Su misión consistirá en librar a la princesa de ser devorada por el dragón. A simple vista no es más que un cuento de hadas para niños. Pero, ¿qué sucede si tenemos en cuenta las palabras de Valle en La lámpara maravillosa?

 

“Cuando mires tu imagen en el espejo mágico, evoca tu sombra de niño, quien sabe del pasado, sabe del porvenir”. Lo que acontece entonces es que uno de nuestros deseos se hace realidad de la mano de la genia Miranda. Nos miramos en el espejo valle-inclanesco y la caricatura crece de forma espontánea. Y es en ese instante cuando estalla la propuesta carnavalesca y festiva que nos lleva a preguntarnos qué es la tradición, cómo debemos traer y asentar a nuestros clásicos en el mundo actual. ¿Es posible no morir en el intento de acabar con el dragón y conseguir el preciado trofeo de su cabeza? Después de noventa minutos de fiesta de colores y representación hedonista, sales del teatro con la certeza de que sí. Con un elenco de actores que no llega a los treinta y con la profunda voz en off de José Sacristán, Miranda consigue una maravillosa sátira de nuestro mundo, de la política actual, de nuestra diversidad afectivo-sexual de la mano de uno de los clásicos noventayochistas. Lo hace con desenfado, con humor y con mucha música. Que no falte el canto y el baile. Y si es necesario invocamos a la más grande. Valle estaría contento, porque “los bufones somos buenos para la gente holgazana”. Y ya saben cuál es la función del bufón en las obras shakesperianas: revelarnos la verdad de nuestra vida y de nuestra levedad. ¿Qué podemos hacer mientras tanto? Reírnos y pasarlo bien.

 

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe