Una cambra pròpia

domingo, 27 de agosto de 2023

A DOS METROS BAJO TIERRA

A dos metros bajo tierra (Six feet under) es una serie de televisión estadounidense, creada por Alan Ball y emitida por la cadena HBO entre los años 2001 y 2005. Durante cinco temporadas, cuenta la vida de los miembros de una familiar peculiar de Los Ángeles que posee una empresa funeraria. Esta serie era otra de mis asignaturas pendientes. Llegué a ella de la mano de la novela gráfica Fun Home. Una familia tragicómica (Fun Home: A Family Tragicomic), creada por Alison Bechdel en el año 2006. La obra, de carácter autobiográfico, se centra en la figura del padre de Bechdel, un director de una funeraria que no es capaz de enfrentarse a su homosexualidad. 

 

El día de Nochebuena, mientras se dirige al aeropuerto a recoger a su hijo Nate (Peter Krause), que vive en Seattle, su padre Nathaniel Fisher (Richard Jenkins) muere en un accidente de coche. Su hermano David (Michael C. Hall), un gay que no ha salido del armario, pero con un rígido sentido del deber familiar, dirige el negocio familiar junto a su madre Ruth (Frances Conroy), una mujer que ha dedicado su vida al cuidado de su familia y que de pronto enviuda sin saber qué hacer con su existencia. La hermana pequeña, Claire (Lauren Ambrose) es una problemática adolescente, con inquietudes artísticas, que consume drogas. En el viaje de regreso a casa, Nate conoce a Brenda (Rachel Griffiths), una apasionada mujer cuya familia es aun más desequilibrada que la de Nate. Es hija de dos psiquiatras y tiene un hermano artista, Bill (Jeremy Sisto) que sufre una enfermedad mental.

 

De nuevo, se trata de un relato de personajes, donde se les puede ver evolucionar y vivir sus contradicciones a lo largo de sesenta y tres capítulos. Puede parecer un drama familiar convencional que trata temas como las relaciones sentimentales, las infidelidades o la religión. Sin embargo, el tema de la muerte está siempre muy presente en todas las situaciones. Cada capítulo comienza con una muerte, por cualquier causa, desde un accidente a un infarto, y ese óbito marca el tono del capítulo que, además, nos narra lo que sucede a nuestros personajes que reflexionan sobre sus vidas, problemas, penas y alegrías mirando de reojo a la parca. De esta forma, la muerte está muy presente en la vida de los Fisher que han aprendido a convivir con ella y su ritual desde que tienen uso de razón. Todo ello va acompañado siempre de fuertes dosis de humor negro y situaciones surrealistas, que se ven plasmadas en unos diálogos vivos y sorprendentes como la vida misma.  

 

Una técnica recurrente de la serie es que alguno de los personajes mantiene conversaciones con otros que ya están muertos. Por ejemplo, Nate y David hablan en numerosas ocasiones con el personaje que ha muerto al comienzo del episodio mientras lo embalsaman. No obstante, el personaje muerto que más veces vuelve para ayudar a reflexionar a los Fisher es el difunto padre de la familia Nathaniel Fisher Senior. Estamos, pues, ante unos personajes con un mundo interior rico, donde la imaginación y los sueños juegan un papel importante. De hecho, es también frecuente la plasmación, en la pantalla, de sus fantasías y de lo que ocurre en su mundo onírico y subconsciente mientras duermen y donde tratan de lidiar con sus fantasmas personales.


Después de convivir durante bastantes horas con todos estos personajes, de sumergirnos en sus temores y expectativas, siempre surge la duda de cómo se cerrará el círculo, esto es, cuál será su final. Pues bien, “
Everyone’s waiting” no defrauda porque de nuevo esa dama del alba que nos acecha se hace presente, para recordarnos que somos finitos, que nuestra vida es como un largo viaje por carretera en el que podemos sentir el devenir del tiempo, que tomar conciencia de la muerte discrimina el valor de lo efímero, para que tengamos bien presente el principio cervantino de que “hasta la muerte, todo es vida”.

 

Begoña Chorques Fuster

Profesora que escribe

 


 


domingo, 20 de agosto de 2023

EL SOMNI DE LA RAÓ

Reconec que mai no havia vist representada l’obra El sueño de la razón. Reconec que tampoc l’havia llegit, encara que fa anys que hi faig referència a classe en parlar del teatre d’Antonio Buero Vallejo. Aquesta, considerada un dels seus drames històrics, junt amb Las meninas sobre Velázquez o Un soñador para el pueblo, text que tracta el motí d’Esquilache, ha estat considerada com una de les seues obres “menors”. Qualificatiu que no entenc molt bé després de veure el muntatge i l’adaptació de José Carlos Plaza al Teatro Español de Madrid. L’obra fou estrenada el passat setembre al Teatro Principal de Zaragoza com a homenatge al protagonista, Francisco de Goya y Lucientes.

 

El sueño de la razón és una obra que Buero va escriure al 1970, el títol de la qual fa referència al gravat goyesc El sueño de la razón produce monstruos. En aquesta obra, els noms de Goya i Buero Vallejo s’uneixen en la defensa dels ideals il·lustrats i del racionalisme. No és d’estranyar ja que Buero estava més inclinat a la pintura que a l’escriptura en la seua joventut. L’obra està centrada en els últims anys de Goya abans de marxar a Burdeus exiliat. La trama està ambientada al Madrid de 1823, moment en què Ferran VII restaura l’absolutisme i inicia una dura repressió contra els liberals. Goya, que es resisteix a abandonar el seu país, desatén els consells dels seus propers que l’intenten convèncer que fuja a França perquè perilla la seua vida. Goya es manté fidel a les seues conviccions, patint l’estigma de veure marcada la porta de casa seua amb una creu per liberal i afrancesat.

 

No es tracta d’un text senzill ja que, com Buero va fer amb la ceguesa a En la ardiente oscuridad o El concierto de San Ovidio, pren la discapacitat física de Goya als seus anys finals per presentar-lo com un home aïllat del món i del seu entorn per la sordesa. Però, si el cec pot veure amb la llum de la seua consciència el que els vidents no podem, la sordesa de Goya li permet interpretar els signes dels temps i plasmar-los a les seues pintures, encara que no siga capaç de percebre l’amenaça cap a la seua persona. Fernando Sansegundo encarna el pintor de Fuentetodos amb la solvència que li dona una vida dedicada al teatre. Interpreta un Goya creïble, lúcid, rondinaire, noble, amb arravataments masclistes... L’adaptació de José Carlos Plaza integra de forma natural, comprensible i molt didàctica el llenguatge de signes amb què Leocadia Zorrilla, la seua amant i majordoma, s’hi dirigeix. Ana Fernández encarna la protagonista femenina, dona vital, intel·ligent y passional, de forma magnífica, amb el pragmatisme femení que aquest no sempre sap reconèixer i conscient que acabarà emportar-se’n la pitjor part del conflicte, tal com acaba ocorrent.

 

Buero pren una època d’Espanya en la qual entossudiment, caciquisme i desraó tornen a prendre la iniciativa. Ens mostra un Ferran VII que borda mentre pren decisions sobre la vida d’altres persones. És un monarca de veu aflautada amb ressons cabdillistes. Buero escriu aquesta obra quan el règim franquista està esgotant el seu temps, però encara té la determinació de emportar-se per davant tot aquell que qüestione el seu poder per perpetuar-se. I sola amb l’habilitat de Buero a l’hora de tractar els temes aconsegueix defugir la censura, aquest monstre agotzonat que es resisteix a no mostrar les seues urpes.

 

El sueño de la razón és un crit contra la intolerància i l’afirmació que la creativitat i l’esperit de llibertat són essencials per incentivar el coneixement i la felicitat de l’ésser humà. L’obra ens mostra dues èpoques diferents de la història d’Espanya on s’imposen la repressió i la censura. És l’Espanya de sempre condemnada a l’ostracisme i la incultura. Sembla com si l’any d’aquesta posada en escena ho serà també. Sembla que aquesta vegada podem impedir-ho.

 

Begoña Chorques Fuster

Professora que escriu